经典戏剧艺术作品，戏剧经典作品

最近去首都剧场看了一部人民艺术剧院改编的经典话剧《名戏子之死》。这部由田汉编剧，任明和闫睿执导的戏剧令人惊叹。

《名牌之死》是田汉早期代表作之一，写于1927年冬，当年在上海丽华事务所首演。1957年，夏纯导演了1979年重新编排的人民艺术版《名牌死》。由任明、严锐执导的2018人艺版作为年底压轴大戏推出，立刻成为网络名人中的文化热点。《名家之死》之所以流传近百年，一直脍炙人口，不仅仅在于田汉的名气和成就，更在于其唯美主义、感伤主义的整体风格，以民国初年名家刘鸿生之死为素材，总结旧社会戏曲艺术家的苦难 发出动荡中社会底层人民的呐喊，创作出唯美主义、感伤主义、现实主义高度融合的艺术经典。 它引发了文化的觉醒，成为中国戏剧现代化和民族化进程中的里程碑，也使田汉成为中国戏剧现代化和民族化当之无愧的第一人。从这个意义上说，经典的重塑，虽然冒着巨大的风险和挑战，却是有惊无险。

这一版《名牌之死》，做到了台前、台后、台下的矩阵共鸣。全剧大概150分钟，时间不短，但观众却一点也不困，也不分心。悲伤的主题让观众一点也不压抑难受，寓意深刻，观众却一点也不酸。首先，剧情线索简洁易懂。剧情从一个花旦在剧场后台和一个小丑聊天开始。讲述了京剧名角精心培养的著名弟子刘凤仙被上海滩恶霸杨大爷用名利诱惑的故事。在“人是留在艺术中，还是死在艺术中”的碰撞振荡中，既悲伤又愤怒的刘振声永远地倒在了舞台上。其次，台词精炼深刻，笑点多。“你要知道台上的你是谁，台下的你是谁。”“有人活着就是为了唱戏，我活着就是为了唱戏。”剧中每一位演员都能时不时爆出一些富有哲理或幽默的词句，让观众们竖起耳朵，不忍错过每一个被爆笑感动的机会。再次，细节刻画得当，极具穿透力。比如杨叔叔送冯宪的梦发妆，冯宪三心二意的推，推，同时推，把她渴望荣耀又不忍背叛的复杂心理刻画的淋漓尽致。最后舞台道具成为点睛之笔。剧中有三幕，很难把握舞蹈之美的复杂与简单。舞台三个场景的景深是递进的，灯光、音乐、服装、道具，尤其是结尾孤独的龙椅，贴合了人物的心理和剧情变化。整场演出，话剧和京剧，台前台后，演员和表演者，演员和观众，思想和情感的矩阵可以交融，真的是“戏里有人，唱给观众听，说给观众听。”

该剧精准的切口，揭示了艺术坚持与迎合的复杂逻辑。在军阀割据、新旧交替之际，电影、唱片、舞厅等外来小玩意纷纷抢滩登陆。「没有好东西的空间」和「传统不能丢」谁对谁错？面对老祖宗留下的旧东西，刘振声显然选择了坚守。他甚至认为“我不老，但我没有保持到足够老”。然而他还是死了，死在了嘘声中，留下了无尽的遗憾，也留下了中途放弃的球队。心急的冯宪选择了迎合她。她的理由是“祖先也改变了他的祖先”。她想留住观众，想要彩票，想要名利，想要唱歌带来的奢华生活，可是师傅不让她那样唱，她选择了和杨叔叔离开。名牌之死，以时代潮流引领者的姿态，勇敢地揭开了文化艺术能否传承、如何传承的千年魔盒。

2018版《名牌之死》隐喻了“在坚持中创新”的传承。剧中没有一句相关的台词，没有一个相关的情节，那么这种“坚持中创新”的理念是如何传递给观众的呢？主要体现在刘振声多次果断纠正凤仙花的自我炫耀。为了展示自己，赢得人气，她频频擅自改剧，随意加入自以为是的唱功、剑术、舞技，刘振声总能给她令人信服的纠正。这些文明的话，冯宪可能听不进去，但观众听进去了。即优秀的传统艺术并不是不能创新，而是要在充分尊重原作的基础上，根据时代、身份、个性、当时的情况和事件的发展进程，结合表演的人文特征，进行合理化改革，做到传诵经典，流行当下。任何脱离了上述因素的随意改编、随意逞能、随意迎合，都是对经典的亵渎，是对艺术的践踏，即使一时叫好，也只能是昙花一现，不可能“让好东西留下来”。

人艺重排改编《名牌之死》，符合首都文化中心发展的政策导向和现实需要，具有指导整个大文化领域改革发展的全局意义，因此受到广泛好评。同时，我们也应该清醒地认识到，《死亡记》的成功改编是多种因素共同作用的结果，并不是一种普遍的文化现象。我们要认真总结改编改编《名品之死》的有益经验，探索他们既弘扬经典又受时代和大众欢迎的成功代码，特别是深刻理解他们在创新中的酸甜苦辣，推动文化惠民政策制度的精准发力，推动文化馆建设在提质增效中快速发展。

来源:北京晚报