花魁电影好看吗
就在刚刚过去的2019年12月底，蜷川实花在北京与摄影师LAY合作拍摄了《VARIETY视相》电子刊首封中国明星张艺兴，与此同时，她与美国Netflix合作的的电视剧集《Followers》也在2月底上线。这位在电影、电视、摄影、设计等诸多艺术领域都有涉猎的日本摄影师艺术家蜷川实花，在中国的各种社交平台上也拥有百万粉丝的人气。
蜷川实花是当代日本炙手可热的一线女艺术家，摄影家，这位与村上隆、奈良美智齐名的女性，主要的创作领域摄影，与她执导的电影都近乎完美地展现了深邃女性美的内涵。她的摄影作品从内容到形式具有强烈的个人视觉风格。最具代表性的内容就是她的摄影画面中的花卉、金鱼等视觉符号意象，配合上华丽绚烂的色彩形式语言和光影效果，形成了梦幻般的“蜷川实花”视觉世界。
《花魁》这部电影是上映于2007年的蜷川实花的代表作，背景是日本江户时代的艺妓的故事。整部影片成为蜷川实花艺术理念的实践场，视听语言中透露着蜷川实花的全部立场。绚丽多彩的服装和场景布置，节奏明确的现代电子音乐和传统视觉的碰撞，都使人产生视觉快感的化学作用。
下面我们就来详尽的分析电影《花魁》中从摄影角度出发的8个视觉理念，并且探寻摄影拍摄能够借鉴的具体方法。
红蓝交织对比的蜷川语法
如果说摄影师在艺术创作的过程中，想要形成自己的独特摄影风格，那么就需要有一套自己独具特色的“摄影语法”。这个语法本身可以是摄影创作中的任何一个方面。
蜷川实花的摄影作品，主要内容是花卉。我们都知道，花卉是这个世界上被拍摄的最多的内容之一，那么为什么蜷川实花拍摄的花卉成为最为具代表性的作品呢？我们可以先从《花魁》这部电影中探索一二。
色彩对比，是蜷川实花个人视觉风格的基础。
花卉是蜷川的拍摄主要内容，她的拍摄自成风格的基础就是顺应花卉本身丰富的色彩，在丰富色彩的基础上增加色调的对比，在对比的基础上利用色彩的对比冲突形成视觉刺激效应。
这个过程的核心就从花卉本身落到了色彩的对比上。以电影《花魁》为例。整部影片的色彩有以下特点，
一个是饱和度极高，高饱和度的色彩在视觉上辨识度强，有明确的色彩倾向感觉。
另一方面是色彩的对比效果强烈，这个就来自于大量的使用红色和蓝色这两种对比色调。
《花魁》作为一个名词的存在，本身就是绝代佳人的形容，红色在中国或者东方人眼中，代表着热情、欲望和能量。整部影片利用红色作为基调，在视觉上调动观众的激情，传达情节的炽烈情感。但是这样并不足以形成视觉风格，蜷川实花的办法就是在画面中配伍以最为强烈的对比色彩，用这种反差来满足自己创作上的视觉野心。
红色与蓝色的对比，一种热情如火，一种清冷忧郁。影片中的两代花魁都在自己成为花魁最为巅峰的时刻陷入来这种矛盾之中。对自己所追求的理想情感，又迫于对爱人的深刻失望，人物的情感纠结婉转。配合着这样的情节，没有比红色和蓝色的矛盾能够来的更为贴切。
红色代表的欲望，热情如火的燃烧，蓝色的忧郁，让美艳的花魁陷入了对爱情追寻和自己解脱的无限惆怅之中。
红色和蓝色的对比在蜷川实花的摄影作品中是常用手法，只是在电影《花魁》中，她把花卉拍摄的色彩形式抽离出来，配置在电影画面中，虽然在电影中，花卉不能能时时刻刻成为画面主角，但是这种对比色彩贯穿了整个剧情和视觉发展。
金鱼、花卉、女性与色彩的审美意象
看过电影的同学们不难发现，电影中频繁出现的金鱼完全可以成为影片的第二主角，与花卉在同等重要的位置。
在花魁日暮成长的各个时期，都有着金鱼出现的空镜头。他们在街道的牌楼上，在自己的卧室中，在走廊里，他们无处不在。这样频繁出现的金鱼又想表达什么呢？
金鱼有一个特点，也是最基本的状态，就是生活在鱼缸里，是一种作为人们观赏用途的存在。从这个角度出发，电影中的花魁们，本质上与这些金鱼有着很大的相似之处。首先就是看起来赏心悦目，作为一种被观赏的存在，好看是第一要义。电影中每一个花魁都要在街道上进行游行展示，成为花魁的同时接受万人垂涎的目光。
第二就是在被欣赏和消费的同时，金鱼和花魁还一样是被限制和豢养的。电影中有一句台词，“金鱼只能生活在鱼缸里”。这句话的意思就是，花魁本身也只能在妓院的环境中获得仰慕与青睐，离开来这个环境，花魁也只能沦落为一条缺氧致死的死鱼。
鱼缸，是禁锢它的地方，也同时是维持它的生命。金鱼离开不了鱼缸，生在鱼缸中，死在鱼缸中。
花魁也是如此的，一旦离开了妓院，那再也不是花魁，仅仅只是成为了一个什么都不是的普通女人。
这个最基本的矛盾，金鱼隐喻了女主角以及整部影片的线索，形成了独具风格的金鱼的审美意象。
影片中除了金鱼，花卉，樱花本身，也是一种被摄影利用的隐喻形象。花卉是美好的代名词，无论从形态的优美还是色彩的绚丽，都是让人无法释怀的美好对象。但是花卉从另一方面是植物的性器官，是生命的一个周期，是最辉煌的定点时刻，花开之后的每一分钟都面对着颓败和消逝。
俗话说“花无千日好，人无百日红”，赏花的时候有些人看见的却是紧随而来的衰败，中国和日本的文化中都有这种哀情文化元素。在影片中，无论花魁生活的如何精致绚烂，但是对于这种生活的空虚也感到寂寞。水中月镜中花，一种不可捉摸的伤感，来自于对内心真情实感的爱情的向往，有着无力感。
导演蜷川实花在接受采访时被问到，为什么独钟拍摄花卉，她的回答是，“首先她喜欢花，其次是花很快会凋零，姿态是变化无常的，照片和电影留下这些瞬间”。
鲜艳与冷艳的色彩对比
在电影摄影拍摄中，无论是红色还是蓝色，无论是对比还是协调，在色彩的使用上，艳丽是蜷川实花的色彩口诀。所谓艳丽，就是我们能够感觉到色彩饱和度的强度，能够感觉到色彩味道的浓郁和气息的充沛。在拍摄的时候，不吝惜使用最浓郁的色彩，最高的对比度来提高饱和度。
无论是热情洋溢的红色欲望空间，还是沉静忧郁的哀伤蓝调，导演在色彩并没有因为色彩变化降低色彩浓度，而是在改变色彩的倾向来矫正人物和剧情发展。这里面就涉及到几种颜色，红色自不必说是摄影的基调，是日暮的生命色彩。
影片中还有很多蓝色和紫色的出现。紫色从色彩心理角度出发是一种表示忧伤和怀疑的低调色彩，这个色彩的出现往往意味着一种忧郁复杂情绪。
比如在日暮与想要娶她的先生的感情交流场景中，虽然也是强烈的情感欲望红色的背景，但是诡异的紫色花朵以及门上的绘画呈现出了核辐射般的色彩对比，这种视觉上的矛盾反射到女主日暮的心理中，对这个热情如火的男人的追求，心中总是抗拒的状态的一种色彩视觉表现。
女主日暮小时候的代班花魁在日暮眼中也是呈现为一种紫色的心理状态。她美艳动人，但同时也显示出一种冷若冰霜，残酷无情的冷艳气质。与日的红色不同，紫色的冷艳与她更加协调。
浮华之下的沉醉慵懒
细心的同学可能会发现，片中的花魁在浓艳的色彩包裹下每每体现出某种沉醉的慵懒状态。这种慵懒与五光十色的绚丽显得十分贴切。在长时间的观看饱和色彩之后，我们眼睛会产生疲劳。好像色彩消耗了我们视觉的能量。
试想一下，在电影中描述的多彩的生活环境中，人物的生活状态又会是什么呢？
《花魁》的故事以江户为时代背景。作为一个承平时代，人们的生活状态往往透露着某种松弛和慵懒。回来我们再看导演蜷川实花，作为出身艺术世家，家境殷实又是日本历史上最为强盛的时代中生活的人，本人又是行走于时尚领域创作的艺术家，她的个人风格怎么能不渗透出一种华贵慵懒的气质，怎么能没有一种生活优渥状态带来的审美上的传导。
某种程度上，在展现《花魁》日暮慵懒状态的这一面，很大程度上是蜷川实花自己艺术理念和对现实世界生活状态的一种投射，一种对历史上华衣美服，精致时代生活状态的一种联想。
在描述这种松弛柔软，慵懒状态的过程中，导演没有忘记体现自己视听语言的最大特点，在色彩上不遗余力的调动发挥，甚至将很多现代设计中的视觉纹样和对比表现方式应用到电影摄影画面的场景中去，很多画面呈现出了某些超现实感觉的视觉图样。
局部光影的深邃
在摄影中，色彩和光线是一对亲兄弟，好的光影不但能够增加画面的视觉纵深，也能够提升色彩的表现力。
下面的摄影画面中，利用色温极高的光色，同时利用树木前景遮挡光线投射，在人物主体上形成了准确的局部光线。
这样的光影效果一方面增加了画面的视觉纵深，形成了高光，中间调，阴影暗部的三个光影层次。在主体形象的表达上，人物身上遮挡住的面部形成了明暗空间，表现了人物在表演中的心理状态。隐藏起来的内心想法被隐藏在阴影之中。
局部光影在视觉空间塑造上是起到最大作用的一种用光方法。下图是一副居中场景照片，高光，投影，剪影形成了远中进，高中低的三个视觉空间。中心的正常光影空间配合画面中三点灯光的高光形成了三角形的构图形式。在画面的边缘窗户的位置，人物在窗户微弱光线的投射下形成了剪影，即丰富了画面的视觉信息，剪影的简略表现又不影响画面主体视觉内容的表现。
试想一下，如果将这个场景利用充分的光线照亮，所有的画面内容都现实出来，是不是就会显得苍白普通呢？
居中对称构图与日本文化
这部电影在摄影拍摄中使用了很多居中对称的构图形式。这样的形式在摄影拍摄中是经常见到的。我们经常听到这样一句话，民族的才是世界的。这些构图中更加精彩的内容，是在构图形式优雅的同时配合表现了独具特色的日本文化。
艺妓的歌舞表演，宴饮吟唱，优美雅致的日式庭院，园林景致，独具风格的日本的版画绘画等等。
这些日本的文化符号也形成了明确的审美标的。一种精致简约，自然山水园，具有清幽恬静，凝练素雅的整体风格，尤其是日本的“茶庭”，“飞石以步幅而点，茶室据荒原野处。松风笑看落叶无数，茶客有无道缘未知。
小巧精致，清雅素洁；为了体现茶道中所讲究的“和、寂、清、静”和日本茶道歌道美学中所追求的“佗”美和“寂”美，在相当有限的空间内，表现出深山幽谷之境，给人以寂静空灵之感。空间上，对园内的植物进行复杂多样的修整，使植物自然生动，枝叶舒展，体现出天然本性。
将这些文化特征配合蜷川实花的色彩表现张力以及摄影构图形式，形成了即传统又现代，富有历史超现实的既视感。
框线构图
另外片中摄影部分还需要单独说的就是蜷川实花在摄影上的精彩绝伦的框线构图。她的主要特点是是在寻求框线框线限定视觉空间的基础上，制造某种视觉平衡。这种平衡既有视觉元素的平衡感营造，还有框线空间的网格化的平衡。
在框线构图中，很多框线是被窗户上的栅栏密密分割的。这种视觉上的安排将原来分离空间的窗口这样的视觉元素变成了一种视觉上的遮挡，并且多次使用这种栅栏作为遮挡。在视觉上形成了一种心理上的符号性的遮挡，栅栏在现实中是一种阻拦，在心理上形成一种禁锢。
栅栏外面是美丽的樱花，是远山的日落，是美好自由的爱情，但是现实中总是隔着栅栏，美好近在咫尺又无力触及。
这些框线的运用可以说是导演在摄影上的一种独特创造。
框线与线条透视相结合，框线与光影投影相结合。这个方法极大的扩展了画面的视觉空间和信息量。两侧房间的投影在一个个的窗格上上演着不同的剧目。远处透视消失点引导着观众最终的视觉终点和审美方向。
经典构图分析
除了上述的摄影上的分析，又到了必留环节，我们来看一下还有哪些不能错过的摄影构图和画面表达上的精彩画面呢。
1.黄金分割
黄金分割构图不仅将人物画面主体放在了分割线的位置，在光线的使用上采取避光的拍摄，人物烟斗的烟雾制造了朦胧感，大景深的拍摄增加了摄影画面的信息量。整副画面结构空间光线紧密丰富。
同样是黄金分割的构图，分置两侧的人物各有形态，形成了两个视觉中心。背景中的五彩斑斓的色块，好像现代电子屏幕中的色块堆积，制造了强烈的超现实视觉感觉。
2.线条构图
线条构图的基础是点，在几何中，线就是由无数个点构成的。在电影中的这个画面就是由灯笼的每个光点链接成为的线条构成的画面。这些线条符合透视原理，在线条中，主体人物花魁日暮成为整个画面中最大的一个亮点，最亮的部分也在这个位置。
3.居中构图
居中构图表现强调主体。画面中的主体人物最为华美的妆容，最为诱人的表情，体现了风情万种，在背景中，红色、金色、绿色相互配合相互争奇斗艳，龙的图腾形成了奔腾的热烈骑士，这一切都是想突出花魁本身的美艳气质，再没有比居中构图这种构图形式更能够达到这种作用的摄影构图方式了。
总结一下，《花魁》中的摄影使用了比广告片还大胆的色彩去拍摄，体现了蜷川实花的艺术创作态度，她的摄影中的花卉才是更加丰富的色彩情感空间，同学们可以去找来欣赏。在同学们的日常拍摄中，是否也能寻找丰富的色彩并且拍摄出来，是一个可以尝试的拍摄主题。
利用蜷川独具风格的摄影表达风格，描述了花魁也是女人，再聪明的花魁也会知道，自己的诺言是毫无用处的，不敢相信恋人的甜蜜话语，也不敢轻易向恋人许诺。可一旦爱上了，哪怕只是短暂的，花魁也甘愿飞蛾扑火将自己投入爱情，爱得死去活来，即使被伤害也不惜地去爱，不计后果地去爱，一直到壮烈地殉情。
但是最后给予我们的交代了，在大胆寻找爱情的路上，其实也是在寻找自己，最后的画面，恰恰回归了最唯美，色彩最正常的空间。
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